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La mujer en las artes

Ficha técnica

Título: La mujer en las artes

Editora: Magdalena de Lapuerta Montoya

Editorial: CEU Ediciones

Páginas: 136

Precio: 15 €

 

 

 

 

 

Pablo Ortiz Soto
@pablothaumazein


En las últimas décadas ha aumentado el interés por conocer, desde una perspectiva poliédrica, el papel de la mujer en el pasado y su huella en la historia. Muestra de ello lo podemos encontrar no solo en la maravillosa sección “Mujeres con historia” de la periodista Silvia Casasola en el mítico programa de radio La Rosa de los Vientos, sino también en obras tan interesantes como La mitad ignorada. En torno a las mujeres intelectuales de la segunda república de J. García Jaramillo, Pensadoras del siglo XX: Una filosofía de esperanza para el siglo XXI de I. López Casanova, Historia de las mujeres filósofas de G. Menage, Ellas mismas. Autorretratos de pintoras de Ángeles Caso, Las sinsombrero de Tània Balló, El siglo XVIII en femenino. Las mujeres en el Siglo de las Luces de M. Reyes García o la magna obra de G. Duby y M. Perrot Historia de las mujeres en Occidente. Pues bien, a esta amplia bibliografía hay que añadirle otro libro: La mujer en las artes. Editado por la historiadora de arte Magdalena de Lapuerta Montoya, junto a la colaboración de otras siete investigadoras, en este volumen se ahonda en la figura de la mujer en el mundo del arte, desde una vertiente principalmente cristiana.

Dividido en ocho capítulos, el estudio lo abre la profesora M.ª J. Aparicio, quien firma un artículo sobre cómo la figura bíblica de Agar, cuya vida representa el amor, el orgullo, la desesperanza y la esperanza, sirvió de inspiración a numerosos artistas holandeses e italianos del siglo XVII (B. Fabritius, S. Cantarini, Guercino y C. Lorrain). El siguiente estudio, titulado “Simbolismo y narrativa en la iconografía de las santas del Museo del Prado”, está a cargo de la profesora María Rodríguez. En este trabajo descubrimos que, a partir del siglo XIII, y raíz de la publicación de la Leyenda Dorada del dominico Santiago de la Vorágine (sobre la vida de los santos), éstos comienzan a formar parte del día a día del hombre. De este modo, a mediados del siglo XIV la pintura y el texto se fusionarán para enseñar a la sociedad los modelos de virtud, entre los que la historiadora destaca –examinando las tablas que se conservan en el Museo del Prado– el de las santas Lucía, Bárbara, Catalina de Alejandría, Isabel de Portugal y María Magdalena.

Mujer
Myriam en el sarcófago de la iglesia de San Trófimo de Arlés.

En la tercera investigación, titulada “Myriam en el arte paleocristiano”, la profesora M.ª Á. Vizcaíno estudia la figura de la hermana de Moisés tocando un timbal, símbolo de la alegría y la redención tras el paso del Mar Rojo. Por su carácter salvífico, explica la autora, esta iconografía aparece principalmente en sarcófagos galos y romanos del siglo IV. A continuación, Patricia Peláez examina la devoción mariana en las composiciones musicales denominadas “secuencias medievales”. De este modo, además del exhaustivo análisis de esta forma musical, la investigadora nos comparte en el anexo, entre otros ejemplos, modelos conservados en la Cambridge University Library. Con respecto al quinto capítulo, el trabajo de la profesora María Arriola nos sumerge en el arte contemporáneo para descubrirnos las representaciones del arte cristiano y, al mismo tiempo, indagar en la zozobrante mentalidad de la modernidad, explicando algunas esculturas de Henry Moore, Guido Dettoni y Venancio Blanco, las pinturas de Georges Rouault y de Matisse y los mosaicos de Marco I. Rupnik.

Mujer
‘Las hilanderas’, Velázquez (Museo del Prado).

Por lo que se refiere al sexto capítulo, “Artificio y realidad en Las hilanderas de Velázquez”, la editora de esta colección de estudios explora el mágico taller que enmarca el pintor barroco en su conocido cuadro. Tras una introducción donde fusiona la biografía y la obra de este “pintor de pintores” –que diría Manet– para llegar a la época donde se pintó el lienzo, Magdalena de Lapuerta examina el enigma de Las hilanderas con el fin de responder a las preguntas cuándo, por qué y para quién fue pintada esta obra maestra en la que solo aparecen mujeres. Con respecto al penúltimo artículo, “Isabel Brandt y Helena Fourment en la obra de Rubens”, la historiadora Sirga de la Pisa estudia la exquisita pincelada de dos retratos del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens y que encuadran a las dos mujeres de su vida: Isabel y Helena. Finalmente, M. E. Simón concluye el libro con el capítulo “La mujer en el retrato español”. Aquí, la autora explora la historia del retrato español apoyada en la exposición que organizó el Museo del Prado, “El retrato, del Greco a Picasso”, en diciembre de 2004. Un interesantísimo recorrido que, de manera breve y clara, podremos volver a rememorar en este trabajo. En definitiva, recomiendo leer esta obra porque, además de ser un libro “que se abre con expectación y se cierra con provecho, su lectura nos ayudará a comprender todavía más la representación de la mujer en el marco artístico de la pintura y la escultura.

“Este libro ahonda en la figura de la mujer en el mundo del arte desde una vertiente principalmente cristiana”.
Continúa el camino...
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